Estratto da
Edward Hopper: elevare la quotidianità
di Barbara Haskell, Catalogo Moebius Editore
Edward Hopper raggiunse la maturità all’inizio del XX secolo, quando l’arte era divisa tra gli impulsi a documentare il mondo così com’è, a ritrarre stati psicologici soggettivi e a distillare la realtà visibile in una forma astratta. La sua genialità consisteva nel coniugare questi approcci apparentemente contraddittori. Il pittore non vacillò mai nella convinzione che l’arte dovesse essere basata sulla realtà osservata, eppure il suo tema ricorrente era l’esperienza della solitudine. Raffigurava un’americanità molto specifica – la luce americana, lo spazio americano e la psiche americana – riuscendo al contempo a cogliere qualcosa di universale nell’esperienza umana moderna, attraverso un linguaggio visivo derivato dall’arte d’avanguardia europea della fine del XIX secolo. Esaminare la fusione operata da Hopper tra realismo e interiorità, tra forma geometrica e tensione psicologica, può aiutare a comprendere perché le sue immagini continuino a essere punti di riferimento del nostro immaginario culturale. (…)
Hopper era notoriamente restio a spiegare i suoi dipinti, ma nei pochi testi da lui scritti articolò una filosofia estetica che propugnava la fusione dei due approcci. In Notes on Painting, scritto nel 1933 in occasione della sua prima personale al Museum of Modern Art, egli sosteneva un’arte che fosse “la più esatta trascrizione possibile” delle “emozioni” dell’artista e della “più intima impressione della natura”. Riteneva che “la grande arte sia l’espressione esteriore della vita interiore dell’artista, e che questa vita interiore si traduca nella sua visione personale del mondo”.
A suo avviso, l’arte mancante di questo radicamento nel nucleo emotivo interiore dell’artista risultava carente. Era il motivo per cui respingeva i realisti che si limitavano a documentare il mondo esterno e gli astrattisti che si concentravano esclusivamente sulle innovazioni tecniche o su composizioni puramente decorative di forma e di colore. Riteneva inoltre che l’espressione pittorica della vita interiore dell’artista non fosse governata principalmente dalla riflessione razionale, come spiegò nel 1939: “Gran parte di ogni forma d’arte è espressione del subconscio, al punto che mi sembra che le qualità più importanti vi siano impresse inconsciamente”.
Pertanto, quando Hopper affermava di voler dipingere “sé stesso” o rispondeva con enfasi “ME” quando gli veniva chiesto cosa “cercasse” in un determinato dipinto, probabilmente intendeva dire che voleva aggirare la ragione e distillare il proprio lavoro riducendolo alle qualità che più si accordavano con la sua “vita interiore” o con la sua identità più intima. Di fatto, Hopper conservò a lungo nel portafoglio una citazione di Goethe: “L’inizio e la fine di ogni attività letteraria è la riproduzione del mondo che mi circonda per mezzo del mondo che è in me. Tutte le cose vengono afferrate, correlate, ricreate, modellate e ricostruite nella forma personale e originale”. (…)
Da questo punto di vista, quindi, le qualità più salienti che Hopper ha espresso nella sua arte, quelle che conferiscono al suo lavoro quegli aspetti peculiari che ancora oggi continuano a colpire gli spettatori – immobilità, silenzio, riserbo emotivo – non hanno mai voluto essere commenti sulla vita moderna; erano semplicemente un riflesso del temperamento dell’artista. Per Hopper, plasmare il mondo esterno in un ritratto della propria interiorità era un lungo processo di sperimentazione e comprensione, che partiva sempre dall’esperienza osservata. Con l’avanzare dell’età, divenne per lui sempre più difficile trovare temi che lo affascinassero, e trascorse lunghi periodi alla ricerca di un soggetto capace di suscitargli una reazione interiore. Anche dopo aver formulato un concetto pittorico, le particolarità delle “cose” rimanevano importanti. Era risaputo che tornava ripetutamente sulla stessa scena alla stessa ora del giorno per osservarne la particolare qualità della luce. Una volta costruì un modello in cartone di una villetta e lo espose al sole per studiare il preciso gioco di luci e ombre che cadeva su un angolo. I suoi dipinti finali erano una sintesi di “fatti” osservati come questi, filtrati attraverso la memoria e l’immaginazione. Il genio di Hopper consiste nel conferire a immagini distillate fino all’essenza un’ambiguità tale da suscitare negli spettatori lampi di un riconoscimento istintivo, catturando la loro attenzione con la prodigiosa sensazione di trovarsi di fronte a qualcosa che hanno già vissuto. Come in un sogno, questi accenni di familiarità creano una misteriosa intimità tra i dipinti di Hopper e gli spettatori, che leggono nelle sue immagini esperienze ed emozioni personali. Hopper accennò a questo aspetto in un saggio scritto sull’amico e collega artista Charles Burchfield (cat. 103) in cui citò il trascendentalista americano Ralph Waldo Emerson: “In ogni opera di genio noi riconosciamo i pensieri che avevamo rifiutato; essi ritornano a noi con una certa maestà alienante”. (…)
Edward Hopper: New York e oltre
Palazzo Blu
Lungarno Gambacorti 9, Pisa
14 Ottobre 2026 – 7 Marzo 2027
Dal lunedì al venerdì dalle ore 10 alle ore 19
A CURA DI
Barbara Haskell insieme a Caroline Webb
ORGANIZZATA DA
Whitney Museum of American Art, New York
IN COLLABORAZIONE CON
Fondazione Palazzo Blu e MondoMostre
INFORMAZIONI
palazzoblu.it
CATALOGO
Moebius Editore
Dall’alto:
1. Edward Hopper, Railroad Sunset / Tramonto sulla ferrovia 1929, Olio su tela, 74,5 × 122,2 cm Whitney Museum of American Art, New York; Josephine N. Hopper Bequest / lascito di Josephine N. Hopper 70.1170 © Heirs of Josephine N. Hopper/SIAE
2. Edward Hopper, A Woman in the Sun / Una donna al sole 1961, Olio su lino, 101,9 × 152,9 cm Whitney Museum of American Art, New York; 50th Anniversary Gift of Mr. and Mrs. Albert Hackett in honor of Edith and Lloyd Goodrich / donazione di Albert Hackett e signora per il 50° anniversario in onore di Edith e Lloyd Goodrich 84.31 © Heirs of Josephine N. Hopper/SIAE
3. Edward Hopper, Gloucester Harbor / Porto di Gloucester 1912, Olio su tela, 67 × 97,3 cm Whitney Museum of American Art, New York; Josephine N. Hopper Bequest / lascito di Josephine N. Hopper 70.1204 © Heirs of Josephine N. Hopper/SIAE
4. Edward Hopper, New York Interior / Interno newyorkese c.1921, Olio su tela, 61,8 × 74,6 cm Whitney Museum of American Art, New York; Josephine N. Hopper Bequest / lascito di Josephine N. Hopper 70.1200 © Heirs of Josephine N. Hopper/SIAE